リスアニ!LIVE 2021

とーやまさんが見たいなあと思ってなんとなくチケットを取ったのでした。一般チケットなので2階の一番後ろ。なんとなくとは言いつつ割とはっきりした目的があって、ご多分に漏れず「東山奈央28ちゃいで〜す」が聞きたくて。

シンデレラガールズのライブも数年行っていないので、曲は初見のものがほとんど。ただそれでも1曲目が始まるともう、距離が遠すぎて顔は見えないのに、ステップの踏み方と拳の振り上げ方で左から2番目がなおぼうと分かり、これだけで自分にとっては十分だなあと。なおぼうはソロデビューする前からいくつか声優ユニットをやっていましたが、とりわけシンデレラガールズの大所帯の中では若さに似合わぬ存在感(キャラが28ちゃいだからか)が際立っていました。ふだんもう少し距離の近いイベントで見ているだけに、幕張メッセやSSAといった大舞台に立つたびそれを頼もしく思っていたものです。今回はメンバーの人数はやや少なく、年齢は相応なところまでに追いついたのかもしれませんが、やはりあの頃と似たような感覚を思い出して、少しぐっと来てしまいました。ということを書き残しておきたかったので今書いています()

曲はといえば、ほとんどの曲がボトムの効いたロックテイスト。これらが生バンドの演奏で映えないはずがなかった。なおぼうと花井美春ちゃん(かわいい)のユニット、フォーリンシーサイドが歌ったGaze and Gazeは歌割りが1番と2番で完全に分かれていて、そこでカラーがはっきりと変わるのが面白かった。なおぼうの川島さんボイスも、昔より自然に聴こえます。どの曲もいわゆるアニソン的なロックと少し違うのがいいですね。曲の魅力が正しいやり方で引き出されて、シンデレラってこんないい曲があるのか!と改めて。と思ったら、1曲ミリオンライブの曲も混じっていたらしいですが(この時だけ驚きの歓声が上がった)。

最後の曲はいつかどこかで聴いた曲……EVERMOREでした。始まる前はこの場でおねシンとかやるのはなあ、みたいに思ってて、新しめの曲が続いたのでそれはそれで良かったのですが、そんな中で最後に知ってる曲(それも比較的新しい)が来たときの安心感たるや。セットリストとしても完璧です。これも6人ならではの歌割りになっていて、以前聴いたときよりも距離が近く、曲のイメージがくっきりとした印象を持ちました。前に聴いたのはSSAなので実際だいぶ近いのだけど。この曲の歌い出し「ずっと憶えてる はじめての日のステージ」で、このライブの出演が決まった時のなおぼうのブログが思い出されて……22歳のなおぼうが川島瑞樹として初めて出演したシンデレラガールズの2ndライブは、僕にとっても初めてのシンデレラのライブでした。この時点ですでに会場は代々木第一体育館という大舞台でしたが、これからもっと大きくてすごいことが起こる、その胎動のようなものが確かに感じられたライブ。あの時見た景色と、今なおぼうが川島瑞樹としてここにいるこの日この瞬間が、ようやく糸と糸で結ばれたように感じられて、なんだかとても熱い気持ちになったのでした。来てよかった!

降幡愛 スペシャルライブ 「Ai Furihata “Trip to BIRTH”」

年明けてからどこにも行っていなくて人間性が無になりかけていましたので、人間性を回復するには音楽しかないのだ、ということで降幡さんのライブに来てみました。去年ビルボードライブで最初にライブをやった時の評判は聞いてたので、生演奏をじっくりと楽しめたらいいななどと思いながら。一般でチケットを取ったのに座席が2列目だった。2月18日夜公演。

大元のコンセプトの時点で特定の音楽性を強く志向しているアーティストイメージ、みたいなものが正直得意ではないのですけど、降幡さんの場合はその振り切り方がある種清々しく、逆に楽しく聴くことができます。「真冬のシアーマインド」のビデオとか、もう面白すぎるでしょ。これは本人が好きだからできることであるなぁと思うわけで。わたし自身は1980年代をリアルタイムで通過した世代ではないのですが、音楽の原体験がザ・スクェア、ユーミン、森高あたりなもので、80年代的な仕掛けが聴こえると遺伝子レベルでつい身体が反応してしまうのはたしか。

ライブでもそういう方向性は一貫していたように感じます。リバーブのかかったヤマハDX(風)サウンドがまずもって1980年代感を強く醸成させ、硬質なビートとチョッパーベース(あえてスラップと言わない)、クリーントーンのカッティングに身体が自然に揺さぶられつつ、ボーカルに絡むようにそこかしこに挟まるオブリガートも痒いところに手が届きまくっており、生で聴くと尋常ではない爽快感。基調としてはそんなところですが、YMOみたいなオリエンタルフレーズが散りばめられた桃源郷白書とか、スカっぽいアップテンポリズムでサックスとオルガンが前面に出るYの悲劇みたいな、こってりになりすぎず飽きさせないエレメントもあり。Yの悲劇はライブ向きの振り付けもあって楽しめます。バラードナンバーに目を転ずれば、OUT OF BLUE 2サビでの熱いディストーションギターなんてお約束すぎて随喜の涙を流さざるを得ません。

また、加えてすばらしいなと思ったのはコーラスがいることで、メロディの重厚感によって80’sっぽさがさらに際立つ。そのコーラスのミキティさんがフロントに出てくる場面。ツインボーカル、しかもスタンドマイクという時点でカバーするアーティストがばればれ、ということでユニット「まばたき」として愛が止まらないを披露したり。オーラス真冬のシアーマインドに至り、降幡さんとバンド全員(キーボードのnishi-kenさんも!)でツーステップを刻み始めるところまであまりにコテコテ。降幡愛さん、お約束を果たしすぎている。

全体を通して何がいいのかというと、これだけの要素をしっかり消化した質の高いアンサンブルを間近で体感できるという安心感かなと。てんこ盛りの80年代エッセンスに対し、(マニピュレーターはいるにしても)不釣り合いなぐらいにシンプルな編成ですが、だからこそ出てくる音はそんなエッセンスを一塊にしたような凝縮感がありました。そして何より、降幡さんのステージ上での躍動がいいんですよね。普段着の彼女とはひと味違った、楽曲の世界に溶け込んだボーカルと佇まいは彼女の役者・パフォーマーとしての面目躍如たるものがあります。先に書いたように、好きだからこそここまで突き詰められるのだなーということがとても感じられるステージでありました。カクテルも引っ掛けていい感じにぐでぐでになりながら体動かせて楽しかったー。

SETLIST

  1. パープルアイシャドウ
  2. RUMIKO
  3. ラブソングをかけて
  4. 愛が止まらない 〜Turn it into love〜
  5. 桃源郷白書
  6. OUT OF BLUE
  7. Yの悲劇
  8. SIDE B
  9. ルバートには気をつけて!

Encore

  1. CITY
  2. うしろ髪引かれて
  3. 真冬のシアーマインド

音楽2020

毎年3月ぐらいに書き始めるのですが、家にいて暇なので今年はちょっと早かった(遅い)。いつも以上に自分の知っている周辺の音楽しか聴いていなくて、趣味の硬直を感じているのではあります。というわけで以下2020年に聴いていたあれこれの記録。

2019 / 2018 / 2014 / 2013 / 2012 / 2011 / 2010 / 2008

Dreamt Twice, Twice Dreamt / Ingrid Laubrock (2020, Intakt)

全く同じ曲をチェンバーオーケストラを加えた中編成とスモールコンボとでそれぞれレコーディングしたものを収めたダブルアルバム。1枚目はドローン的効果を醸すチェンバーオーケストラの色彩感と、現代音楽を通過したコーリー・スマイスの先鋭的なピアノとのコンビネーションが美しく、2枚目はサム・プルータのエレクトロニクスが音響空間を支配しつつ、イングリッド・ラウブロックをはじめとするソロイスト間の対話が複雑なコレクティブ・インプロヴィゼーションを形成する。各々の要素を見ればカオスだが、表象されるテクスチュアは非常に整然と澄んだものとして受け取られるあたり、ラウブロックの意図したサウンドコンセプト/デザインの巧みさに舌を巻く。大作ではあるものの、理詰め感が刺激的で心地いい。気が付いたら通しで聴いてしまっていることが多い気がします。

Recognition / Sera Serpa (2020, Biophillia)

いつになってもマーク・ターナーのテナーが自分を宇宙遊泳に連れて行ってくれる。恒星のようにカラフルであり、ブラックホールのように虚無的でもある。ピアノとハープが音像を張り詰め、サラ・セルパのヴォイスが幻影のように浮き沈み時には語りかけるかたわらで、ターナーがいつものように向こうの世界に行っている。ヴォイスとサックスが全く別の方向に向いていそうで、しかしとても親和性をもって響いているという、不思議な調和と均衡が聞かれる。サックス奏者というよりは、ひとつの特異なサウンドの担い手としての重要な存在感を改めて感じてしまった次第。

Hero Trio / Rudresh Mahanthappa (2020, Whirlwind)

2曲目に取り上げられているスティーヴィー・ワンダーの”Overjoyed“にやられてしまった。朗々としたメロディが変拍子の中で不穏さを孕んだまま続いていたのが、唐突に爆発し苛烈な演奏に変貌する。その移行があまりにもシームレスでスリリング。チャーリー・ヘイデンが”The Ballad of The Fallen” (1982)の最後の曲でやっていたようなシュールな諧謔味ではなく、シリアスに外側に向かい逸脱していく……というよりは楽曲のイメージを拡張していく感覚が楽しい。最初すっかり聞き流していましたが、1曲目のチャーリー・パーカーからこうなんですよ。全編カヴァーだからこその味わいのあるアルバム。

Color of Noize / Derrick Hodge (2020, Blue Note)

もはやメジャーアーティストになったデリック・ホッジだが、この人が作ったアルバムを聴くたびに思うのは「自分と音楽の趣味が似てるのではないか?」ということで、自分にとってはスッと入ってくるので、なんとなく吸い寄せられるように聴いてしまう。サウンドそのものも肌に合うし、ウェイン・ショーターの”Fall”を取り上げているのなんて最高でしょう。ツインドラムの強靭なグルーヴの波の上に、重厚かつ洗練されたツインキーボードのサウンドを敷き、ホッジのベースが自由に歌う。多元的な音楽的ルーツからなる複数の要素を凝縮して落とし込み、現代的なサウンドプロデュースを施した文字通りの「フュージョン」音楽が心地よい。

The Complete On The Corner Sessions / Miles Davis (2007, Columbia)

これはわたしが高校生のころに出たボックスセットで、当時めちゃくちゃ欲しかったのが今やSpotifyでいくらでも聴けるので、夏の間とかはこの(CDにして6枚にもなる)ダルく壮大なファンク楽曲集をただただ流していたのでした。マイケル・ヘンダーソンの泥臭く粘っこいベースリフとレジー・ルーカスのワウワウカッティングのサウンドが癖になり、それだけで何十分と聴いていられる。もちろんデイヴ・リーブマンやソニー・フォーチュンといった優れたソロイストのプレイも楽しめます。その中にあって、上に挙げた要素を全て飲み込み、垂直的なリズムを執拗に反復させながら、匿名化された音を重ね合わせた結果、まったく新種のトリップ音楽が出来上がってしまった”On The Corner” (1972)のセッションは極めて異質である(”On The Corner Sessions”と銘打たれているにもかかわらず)。これを若者向けのダンスミュージックとして作ったデイヴィスはおかしい。